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Présidé cette année par Amos Gitaï, le 13ème festival du film asiatique de Deauville s’est achevé dimanche 13 mars par la remise du lotus du meilleur film à Eternity du Thaïlandais Sivaroj Kongsakul. Cette édition restera marquée par le très bon niveau d’ensemble des œuvres présentées, preuve de l’éclatante santé dont fait preuve le cinéma asiatique et tout particulièrement le cinéma japonais.
La famille (et par extension les liens familiaux) constitue le principal fondement de la société japonaise. Comme dans tout pays économiquement développé, au Japon, les valeurs familiales ont évolué et même si le taux de divorce est toujours relativement bas, il existe de plus en plus de familles recomposées. Les relations à l’intérieur de ces familles déchirées peuvent s’avérer délicates et sont le point de départ du nouveau film de l’expérimenté mais malheureusement méconnu en France, Sono Sion. Cinéaste nihiliste dans la lignée de Takashi Miike ou de Shinya Tsukamoto, Sono Sion livre à travers des films de genre des charges terribles sur la société nippone. Partant de la relation impossible entre une adolescente rebelle et sa belle-mère, Cold fish, sous son aspect de film gore traitant d’un fait divers particulièrement atroce (un serial killer qui aurait fait plus de 50 victimes), est une charge terrible sur la famille japonaise dont la figure patriarcale ressort totalement atomisée. Un événement à ne pas rater, le film ayant l’honneur d’une sortie française au cours de l’année qui vient.

Cold Fish

Les relations familiales, en l’occurence les rapports mère/fille, sont également au cœur du surprenant mais radical Birth Right. Naoki Hashimoto, le réalisateur, avait prévenu les spectateurs. « Je fais des films que seul 20 % d’entre vous vont apprécier » avait-il dit en présentant son film. Et c’est vrai que Birth Right ne laisse pas indemne. À peine gâché par un flash-back explicatif en plein milieu du film tentant de justifier l’injustifiable, ce huis clos étouffant et impressionnant, histoire d’enlèvement couplé à la destruction d’une cellule familiale en apparence solide, premier film faisant penser inévitablement à Kiyoshi Kurosawa, marque la naissance d’un cinéaste à suivre.
Récompensé par le prix du jury, beaucoup moins radical que les deux films précédents mais tout aussi intéressant, Sketches of Kaitan City de Kazuyoshi Kumakiri met en scène cinq événements en apparence sans importance se déroulant dans une ville du nord de l’Archipel. Tiré de nouvelles écrites en 1990 par l’écrivain Yuasushi Sato qui s’est suicidé peu avant la parution de son recueil, Sketches of Kaitan City peut être considéré comme un film coopératif. Financée par 1200 habitants d’une petite ville japonaise, produite par un gérant de cinéma d’art et d’essai, interprétée par des acteurs amateurs, cette œuvre touchante est une critique acerbe de la mondialisation et une réflexion – encore une – sur les liens et les valeurs de la famille japonaise. À travers le prisme des crises économique et sociale qui secouent actuellement son pays, le réalisateur démontre l’universalité des images de la société nippone. Chômage touchant les plus démunis, absence de pouvoirs des syndicats et des élus sur l’économie mondiale, isolement des personnes âgées et des plus jeunes qui s’enferment dans le mutisme, absence de dialogue au sein de la cellule familiale : un film typiquement local donc essentiellement universel, qu’une fin malencontreuse (tentant de répondre aux interrogations soulevées à chaque fin de sketch) ne vient pas ternir.

Sketches of Kaitan City

La crise économique frappe également la Corée du Sud, comme le démontre le très beau The Journals of Musan, premier film du jeune réalisateur Park Jungbum, récompensé également du prix du jury. Handicapé par son origine nord-coréenne, Jeon Seungchul peine à trouver du travail à Séoul. Timide et réservé, il a du mal à se créer des liens avec les personnes qu’il croise notamment à l’église. Victimes de nombreuses discriminations, il cache de plus un terrible secret qu’il va lui falloir dévoiler. Film de festival (primé à Pusan, Rotterdam et Marrakech), The Journals of Musan, même s’il montre la difficulté des réfugiés Nord-Coréens à s’intégrer dans la société sud-coréenne, n’est pas uniquement un drame de l’intégration. Portrait d’un marginal en mal de reconnaissance et de respectabilité, le métrage est avant tout un drame social et chrétien (L’Église compatissante sort grand vainqueur du film !) qui porte un regard critique sur une société terne et violente qui a du mal à quitter le giron fasciste dans lequel elle s’était enfermée pendant presque un demi-siècle.

Du côté de l’empire du Milieu, le sentiment s’avère nettement plus mitigé. Absent du palmarès malgré un accueil public des plus chaleureux, Buddha Mountain de la réalisatrice chinoise Li Yu raconte l’histoire de trois amis qui viennent de terminer le lycée et qui se rendent dans la ville de Chengdu où ils louent plusieurs chambres dans la maison d’une ancienne chanteuse de l’opéra de Pékin… Courageuse est le terme le plus fréquemment utilisé lorsque l’on évoque la filmographie de Li Yu. Après avoir traité avec subtilité de l’homosexualité féminine dans Fish and Elephant (2000) puis des jeunes filles mères dans l’émouvant Dam Street (lotus du meilleur film à Deauville en 2006) et enfin du pouvoir de l’argent dans les nouvelles métropoles chinoises dans Lost in Beijing (2007), la cinéaste chinoise aborde le thème du passage à l’âge adulte et de la relation entre les jeunes adultes et leurs aînés dans la Chine d’aujourd’hui. Sens du récit, scénario parfaitement maîtrisé permettant la multiplication habile des points de vue, dialogues souvent drôles et de qualité… On retrouve dans ce film tout ce qui fait la force du cinéma de Li Yu – un cinéma rafraîchissant, inter-générationnel et spirituel dont le seul défaut est de tomber parfois dans le mélodrame convenu.
Le conflit des générations est également à la base de l’autre film chinois de la compétition. Dans The Old Donkey de Li Ruijun, l’action (enfin c’est vite dit !) se passe dans un petit village à la lisière du désert. Un entrepreneur local sans scrupules achète les terres des paysans, ou du moins essaie de les en chasser, afin de construire une usine de produits chimiques qui rendrait le village prospère. Ma (73 ans au compteur) surnommé « le vieux baudet » refuse obstinément de vendre ses terres… Débuté sous forme non-narrative à la limite du documentaire, filmé dans des décors désertiques superbes, The Old Donkey marque exagérément l’écart grandissant qui existe entre la Chine de Mao (représentée par Vieux Baudet qui possède un portrait du grand timonier cinq plus fois plus grand que celui de ses parents disparus) et la nouvelle Chine capitaliste (symbolisée par les fils de Vieux Baudet, tous partis à la ville faire fortune laissant leur père seul avec leur sœur et l’entrepreneur local, véritable fripouille). Mais surtout, en se plaçant ouvertement du coté du vieillard, ce film possède quelques relents de « C’était mieux avant ! » discutables voire problématiques.

Buddha Mountain

Dans un petit village de la campagne thaïlandaise, un fantôme revient hanter les lieux de sa jeunesse. Il s’appelle Wit et il est mort trois jours auparavant. Il se souvient des jours où il était tombé amoureux de Koi, sa future épouse. Un fantôme, la Thaïlande : pas de doute, nous sommes devant le nouvel opus d’Apichatpong Weerasethakul. Eh bien non, le réalisateur culte primé à Cannes l’année dernière avec Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures (et à Deauville en 2007 avec Syndrome And A Century) n’a pas le monopole des films de fantômes thaïlandais. C’est un peu dommage d’ailleurs tant Eternity de Sivaroj Kongsakul manque cruellement des qualités des œuvres de son aîné. Si l’on devait résumer en une phrase ce film contemplatif, on pourrait imiter Woody Allen et déclarer « L’éternité c’est long, surtout vers la fin… ».
Du coté des déceptions toujours, citons La ballade de l’impossible, qui démontre par la vacuité de son propos et la prétention de sa mise en scène qu’adapter le grand auteur Haruki Murakami n’est pas chose aisée. Les productions philippine (Donor) et indienne (Udaan déjà présent à Cannes dans la sélection Un certain regard) ne furent également pas au niveau.

Udaan

Enfin, cette 13ème édition du festival normand aura permis de vérifier la bonne santé du cinéma sud-coréen grâce à l’hommage accordé à Hong Sang Soo et le regard porté sur l’œuvre de Kim Jee Woon.
Une ritournelle de piano. Des personnages issus du même milieu artistique (des cinéastes en général sur lequel l’auteur interroge la condition). Un triangle amoureux où la jeune femme sexy se confronte à des jeunes gens cyniques souvent aux bord de l’ivresse. On peut aisément critiquer Hong sang Soo en lui reprochant de reproduire, malgré de légères variations, indéfiniment le même film. Mais que vaut ce reproche devant la qualité intrinsèque des œuvres proposées par le maître coréen ?
Considéré comme l’un des cinéastes les plus importants du cinéma international, Hong Sang Soo fut découvert en 1996 grâce au film Le Jour où le cochon est tombé dans le puits. Ses œuvres, fortement influencées par Eric Rohmer, sont depuis plébiscitées dans les plus grand festivals internationaux. Radiographies des relations amoureuses, ses films sont de petits bijoux de comédie sentimentale où la séduction domine le désir, où l’alcool coule à flots et où les situations comiques confinent au burlesque. Présenté en avant-première à Deauville, Hahaha et Oki’s Movie, respectivement ses 10ème et 11ème opus, confirment bien évidemment la tendance.
Comportant deux récits entrelacés l’un dans l’autre (avec comme point d’intersection les histoires d’amour vécues par les protagonistes avec la même femme), Hahaha est un bijou de construction narrative. Munkyung, réalisateur (double de Hong Sang Soo ?), prévoit de quitter Séoul pour vivre au Canada. Quelques jours avant son départ, il revoit autour d’un verre son grand ami Jungshik, critique de films. Lors de ce rendez-vous arrosé de bière et de l’alcool local, le soju, les deux amis découvrent qu’ils se sont rendus récemment dans la même ville en bord de mer où ils ont rencontré la même femme. Film féministe où l’héroïne, mature et forte, prend toutes les décisions malgré les manipulations des hommes cyniques et à la limite du ridicule, Hahaha surprend par la qualité de ses dialogues, la simplicité de la réalisation et la fraîcheur des comédiens dont la magnifique Moon So-ri, actrice révélée par Oasis de Lee Chang Dong.
Composé de quatre courts-métrages (qu’il faut voir comme autant de variations sur la même histoire), illustrant de plusieurs façons le même triangle amoureux composé d’un professeur de cinéma, de son étudiant favori et d’une jeune femme dont ils sont tous deux amoureux, Oki’s Movie intègre également les composantes du cinéma de Hong Sang Soo. Même s’il déçoit un peu par rapport à Hahaha, la façon de traiter ses histoires que le cinéaste y déploie rappelle si besoin qu’un même point de départ ne mène pas forcément au même point d’arrivée. Une façon de répondre avec élégance à ses détracteurs.

Oki’s Movie

Contrairement à son compatriote, on ne peut pas pour l’instant reprocher à Kim Jee Woon de toujours reproduire le même film. Le regard sur son œuvre proposé par le festival asiatique cette année a permis de constater l’éclectisme du réalisateur, que beaucoup considèrent comme l’un des plus excitants du moment. Sa carrière a débuté avec deux comédies, A Quiet Family et The Foul King puis s’est enchaînée avec un film d’épouvante d’une remarquable beauté visuelle, Deux sœurs. Suivent le polar A Bittersweet Life rappelant le meilleur du cinéma Hong-kongais des années 90 et le western « kimchi », Le Bon, la brute et le cinglé, hommage à peine voilé au cinéaste Sergio Leone et aux films de kung-fu de la Shaw Brothers. Présenté à Deauville en avant-première, son dernier opus J’ai rencontré le diable, qui sortira cet été en France, est un chef-d’œuvre du genre. Avec une accroche issue d’un essai de Friedrich Nietzsche (Que celui qui lutte avec des monstres veille à ce que cela ne le transforme pas en monstre), J’ai rencontré le diable, dans la forme, est aux antipodes des œuvres de son compatriote Park Chan Wook (et sa trilogie sur la vengeance), auquel on va inévitablement le comparer. Imposant brillamment son style dans ce vigilante movie à la violence à la limite de l’insoutenable (selon la volonté du réalisateur, les spectateurs doivent sortir éprouvés de la séance et souffrir autant que les personnages) mais loin d’être gratuite, Kim Jee Woon déconstruit tous les mécanismes de la vengeance afin d’en extraire les ressorts psychologiques qui deviennent le thème essentiel du film. Moins intéressé par le processus de la vengeance que par les effets qu’elle produit sur son investigateur, J’ai rencontré le diable est une œuvre singulière à la dimension religieuse qui démontre une fois de plus la frontière ténue existant entre le bien et le mal.

Fabrice Simon

> Lire aussi notre article (avec interview de Kim Jee Woon) dans le prochain numéro (21) de Versus, parution fin avril.

> À propos de J’ai rencontré le diable, lire aussi notre compte-rendu du festival du film fantastique de Gérardmer (édition 2011), sur le blog et dans le prochain numéro de Versus.



Bande-annonce de Eternity de Sivaroj Kongsakul

Bande-annonce de Cold Fish de Sono Sion

Bande-annonce de The Journals Of Musan de Park Jungbum



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