Classé dans : DES FILMS & DÉBATS | Tags: A côté, A l'ombre de la République, CGLPL, Cinéma engagé, critique, Détenus, documentaire, Documentaire de société, Hôpital psychiatrique, interview, Maison d'enfermement, Mourir ? Plutôt crever !, observation, prison, Siné, société, Stéphane Mercurio
Avant de réaliser Mourir ? Plutôt crever!, formidable portrait de son dessinateur de père Siné, Stéphane Mercurio s’était déjà penchée sur les oubliés de la République et les laissés-pour-compte du système judiciaire français. En 2008, la cinéaste plaçait sa caméra dans l’anti-chambre du parloir de la prison pour hommes de Rennes. Le film en question, A côté, soulignait la détresse de femmes humiliées, malmenées et mal considérées par l’administration pénitentiaire : parloir annulé pour quelques secondes de retard, l’obligation de faire des centaines de kilomètres pour une entrevue avec un membre de sa famille, transmission de nourriture sans les emballages, au point de devoir décortiquer les crevettes avant de les offrir, comme présent de Noël, aux détenus… Un regard humain sur des femmes courageuses dont l’Etat ne fait rien pour atténuer le malheur et améliorer les conditions de visite.
Une dignité qui se retrouve dans A l’ombre de la République, nouveau documentaire pertinent qui préfère à la charge politique parfois caricaturale ailleurs, l’observation de situations significatives qui en disent long des conditions de détention des hommes et des femmes dans nos différents lieux d’enfermement (maisons d’arrêt, hôpitaux psychiatriques…). Mercurio suit ainsi des contrôleurs du CGLPL (Contrôle général des lieux de privation de liberté) en tournée dans différents établissements, en fonction des lettres reçues par les détenus, qui peuvent se plaindre à cet organisme de leurs conditions. Un travail salutaire et peu reconnu qui consiste à déceler le mal dans certaines prisons dont le dysfonctionnement accoucherait de traitements variables selon l’influence des détenus. Sur le fond, il en ressort certaines vérités propres à n’importe quel lieu de privation, que ce soit une maison d’arrêt ou un hôpital psychiatrique : manque de personnel, dérives administratives, archaïsme des peines encourues pour la majorité des personnes enfermées…
Sur la forme, ce même constat passe par la systématisation du dialogue entre un homme ou une femme enfermé(e), et un contrôleur du CGLPL, personne libre, extérieure, qui pour certains prisonniers condamnés à une longue peine, permet de rompre avec des mois et des années de silence et de monotonie à ne voir que les mêmes visages de co-détenus et de surveillants. C’est dans ces confrontations que le film puise sa force. La pudeur de certaines personnes qui n’osent montrer leur visage vaut autant que les paroles désabusées de ces hommes condamnés à de très longues peines (à perpétuité pour l’un d’entre eux), qui expriment à visage découvert que le temps qui passe en prison, n’arrive qu’à effacer petit à petit, mais sûrement, la trace de leur passage sur terre. Et pas à autre chose.
A l’ombre de la République fait le constat, partagé par le CGLPL, qu’il existe un déficit énorme concernant l’écoute des personnes détenues dans les différents lieux d’enfermement en France. Une écoute qui ferait en sorte de maintenir en vie l’humanité qui subsiste chez ces hommes et femmes condamnés à vivre plus ou moins longtemps entre quatre murs, à l’abri d’une société qui ne semble pas se soucier d’eux, et qui cherche encore moins à tenter de guérir les maux dont ils souffrent. C’est là que le cinéma et les documentaires de Stéphane Mercurio sont essentiels, dans la charge qui leur incombe de transmettre ces discours d’ordinaire inaudibles et marginalisés. Un véritable acte politique, pour un film qui se garde bien de l’être. En somme, ce à quoi devrait ressembler tout bon documentaire de société qui se respecte.
Julien Hairault
Bande annonce de A l’ombre de la République de Stéphane Mercurio (sorti le 7 mars 2012 chez ISKRA)
Classé dans : LE TOP 10 DE L'ANNÉE 2011 | Tags: 7e Art, Aaron Houston, accident, alpinisme, amputation, années 80, Aron Ralston, aventures, âge d'or, écrivain, Ballet, Best of, bolides, box-office, Bradley Cooper, Canada, cascadeur, chef d'oeuvre, chorégraphie, chroniques, cinéma, cinéma coréen, cinéma muet, Danny Boyle, Danse, Darren Aronofsky, début du siècle, Denis Villeneuve, Detective Dee, Drive, drogues, DVD, enfants, escalade, escapade, espionnage, flops, fusillades, hallucinations, Hollywood, identité nationale, imagination, J'ai rencontré le diable, Jean Dujardin, Kim Jee-Woon, l'Artiste, La Classe américaine, Le Lac des cygnes, les années folles, les meilleurs films de l'année 2011, Liban, licorne, Limitless, marionnettes, Martin Scorsese, Michel Hazanavicius, Moyen-Orient, Na Hong-Jin, Neil Burger, Nicolas Winding Refn, nostalgie, Phalanges libanaises, Philippe Falardeau, pirates, poètes, Polar, pouvoirs, prison, Québec, réfugiés politiques, Robert de Niro, roman, Sang-Froid, Sans Limites, scène, secret, show, souvenirs, spectacle, Spielberg, succès, Sunflower Hour, The Artist, The Murderer, thriller, Tintin, Top 10, tops, Tsui Hark, Vancouver, Versus n° 21, voitures, voyage dans le temps, Wajdi Mouawad, Woody Allen
En couverture de notre numéro 21 paru en début d’année, Black Swan, de Darren Aronofsky, remporte largement le titre de meilleur film de l’année 2011 décerné par les rédacteurs et contributeurs de Versus. Une domination sans partage et méritée pour ce très grand film, qui rend enfin justice au grand talent de son réalisateur, troisième de notre classement il y a deux ans avec The Wrestler. Derrière, ça se bouscule pour les places d’honneur. "L’aspect novateur et l’avancée technique" que présuppose Les Aventures de Tintin (dixit Eric Nuevo) suffisent au film de Steven Spielberg pour se retrouver sur le podium, en compagnie, heureux hasard, de l’hommage de J.J. Abrams au cinéma de tonton Steven (Super 8). Suivent la "prétentieuse" (dixit Stéphane Ledien) Palme d’Or (The Tree of Life) et le Prix de la mise en scène (Drive) du dernier Festival de Cannes, ainsi qu’une triplette asiatique (Detective Dee, J’ai rencontré le diable, The Murderer) qui souligne une fois de plus tout l’intérêt que Versus porte au grand Tsui Hark, et aux joyaux du cinéma coréen. Notons enfin la présence, en dixième position, du coup de cœur du rédac’ chef Stéphane Ledien, le très beau Incendies (chroniqué dans notre DVD Park n° 7) du Canadien Denis Villeneuve. Côté absences notables, signalons qu’une fois n’est pas coutume, Clint Eastwood (Au-delà) passe à la trappe, de même que Martin Scorsese dont le pourtant magnifique Hugo Cabret échoue aux portes du Top10 en compagnie de The Artist, premier film français cité par la rédaction.
Julien Hairault
TOP 10 DE LA RÉDACTION
1. BLACK SWAN de Darren Aronofsky
2. LES AVENTURES DE TINTIN : LE SECRET DE LA LICORNE de Steven Spielberg
3. SUPER 8 de J.J. Abrams
4. THE TREE OF LIFE de Terrence Malick
5. DRIVE de Nicolas Winding Refn
6. DETECTIVE DEE de Tsui Hark
7. J’AI RENCONTRÉ LE DIABLE de Kim Jee-woon
8. THE MURDERER de NA Hong-jin
9. LA PLANÈTE DES SINGES : LES ORIGINES de Rupert Wyatt
10. INCENDIES de Denis Villeneuve
Tops des rédacteurs
Julien Hairault
1. THE MURDERER de NA Hong-Jin
2. BLACK SWAN de Darren Aronofksy
3. LA GROTTE DES RÊVES PERDUS de Werner Herzog
4. HUGO CABRET de Martin Scorsese
5. HABEMUS PAPAM de Nanni Moretti
6. PATER d’Alain Cavalier
7. DETECTIVE DEE de Tsui Hark
8. INCENDIES de Denis Villeneuve
9. RESTLESS de Gus Van Sant
10. L’EXERCICE DE L’ÉTAT de Pierre Schoeller
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Stéphane Ledien
1. INCENDIES de Denis Villeneuve
2. BLACK SWAN de Darren Aronofsky (en fait vu en 2010, car le film est sorti fin 2010 au Québec)
3. MINUIT À PARIS de Woody Allen
4. DRIVE (titre au Québec : SANG-FROID) de Nicolas Winding Refn
5. THE ARTIST (titre au Québec : L’ARTISTE) de Michel Hazanavicius
6. LES AVENTURES DE TINTIN : LE SECRET DE LA LICORNE de Steven Spielberg
7. SUNFLOWER HOUR de Aaron Houston
8. 127 HEURES de Danny Boyle
9. MONSIEUR LAZHAR de Philippe Falardeau
10. LIMITLESS (titre au Québec : Sans Limites) de Neil Burger
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Fabien Le Duigou
1. BLACK SWAN de Darren Aronovsky
2. J’AI RENCONTRÉ LE DIABLE de Kim Jee-woon
3. TRUE GRIT de Ethan et Joel Coen
4. LES AVENTURES DE TINTIN : LE SECRET DE LA LICORNE de Steven Spielberg
5. X-MEN : LE COMMENCEMENT de Matthew Vaughn
6. LA PLANÈTE DES SINGES : LES ORIGINES de Rupert Wyatt
7. DETECTIVE DEE de Tsui Hark
8. THE MURDERER de Hong-jin Na
9. INSIDIOUS de James Wan
10. ARRIETTY, LE PETIT MONDE DES CHAPARDEURS de Hiromasa Yonebayashi
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Eric Nuevo
1. BLACK SWAN de Darren Aronofsky
2. THE ARTIST de Michel Hazanavicius
3. DRIVE de Nicolas Winding Refn
4. LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodovar
5. SUPER 8 de J.J. Abrams
6. MELANCHOLIA de Lars Von Trier
7. THE TREE OF LIFE de Terrence Malick
8. RESTLESS de Gus Van Sant
9. LES AVENTURES DE TINTIN : LE SECRET DE LA LICORNE de Steven Spielberg
10. LE DISCOURS D’UN ROI de Tom Hooper & INCENDIES de Denis Villeneuve
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Philippe Sartorelli
1. SUPER 8 de J.J. Abrams
2. THE TREE OF LIFE de Terrence Malick
3. SUCKER PUNCH de Zack Snyder
4. LES AVENTURES DE TINTIN : LE SECRET DE LA LICORNE de Steven Spielberg
5. HUGO CABRET de Martin Scorsese
6. BLACK SWAN de Darren Aronofsky
7. LA PLANÈTE DES SINGES : LES ORIGINES de Rupert Wyatt
8. X-MEN : LE COMMENCEMENT de Matthew Vaughn
9. MISSION : IMPOSSIBLE, PROTOCOLE FANTÔME de Brad Bird
10. INSIDIOUS de James Wan
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Fabrice Simon
1. THE MURDERER de NA Hong-Jin
2. SUPER 8 de J.J. Abrams
3. BLACK SWAN de Darren Aronofsky
4. UNE SÉPARATION de Asghar Farhadi
5. J’AI RENCONTRÉ LE DIABLE de Kim Jee-woon
6. INCENDIES de Denis Villeneuve
7. LES AVENTURES DE TINTIN : LE SECRET DE LA LICORNE de Steven Spielberg
8. THE TREE OF LIFE de Terrence Malick
9. FIGHTER de David O. Russell
10. DRIVE de Nicolas Winding Refn
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Julien Taillard
1. DETECTIVE DEE de Tsui Hark
2. SOURCE CODE de Duncan Jones
3. BLOOD ISLAND de Jang Cheol-soo
4. J’AI RENCONTRÉ LE DIABLE de Kim Jee-woon
5. LA PLANÈTE DES SINGES : LES ORIGINES de Rupert Wyatt
6. VERY BAD TRIP 2 de de Todd Phillips
7. LE DISCOURS D’UN ROI de Tom Hooper
8. SUPER 8 de J.J. Abrams
9. X-MEN : LE COMMENCEMENT de Matthew Vaughn
10. DESTINATION FINALE 5 de Steven Quale
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Nicolas Zugasti
1. DETECTIVE DEE de Tsui Hark
2. HAPPY FEET 2 de George Miller
3. LES AVENTURES DE TINTIN : LE SECRET DE LA LICORNE de Steven Spielberg
4. CARNAGE de Roman Polanski
5. BLACK SWAN de Darren Aronofsky
6. TRIANGLE de Christopher Smith (inédit DVD)
7. J’AI RENCONTRÉ LE DIABLE de Kim Jee-woon
8. BLACK DEATH de Christopher Smith (inédit DVD)
9. RARE EXPORTS de Jalmari Helander
10. THE WARD de John Carpenter (inédit DVD)
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Tops des contributeurs
Hendy Bicaise
1. COMMENT SAVOIR de James L. Brooks
2. THE TREE OF LIFE de Terrence Malick
3. JE VEUX SEULEMENT QUE VOUS M’AIMIEZ de Rainer Werner Fassbinder
4. DRIVE de Nicolas Winding Refn
5. THE FUTURE de Miranda July
6. 127 HEURES de Danny Boyle
7. LA DERNIERE PISTE de Kelly Reichardt
8. L’APOLLONIDE – souvenirs de la maison close de Bertrand Bonello
9. LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodovar
10. MISSION : IMPOSSIBLE – PROTOCOLE FANTÔME de Brad Bird
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Nicolas Domenech
1. BLACK SWAN de Darren Aronofsky
2. DRIVE de Nicolas Winding Refn
3. THE TREE OF LIFE de Terrence Malick
4. LA PLANÈTE DES SINGES : LES ORIGINES de Rupert Wyatt
5. POLISSE de Maïwenn
6. SUPER 8 de J.J. Abrams
7. FIGHTER de David O. Russell
8. 127 HEURES de Danny Boyle
9. LA COULEUR DES SENTIMENTS de Tate Taylor
10. COWBOYS & ENVAHISSEURS de Jon Favreau & LE DISCOURS D’UN ROI de Tom Hooper
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Pierre Gaffié
1. MELANCHOLIA de Lars Von Trier
Suivi de :
SI TU MEURS, JE TE TUE de Hiner Saleem
BLUE VALENTINE de Derek Cianfrance
DONOMA de Djinn Carrénard
THE FUTURE de Miranda July
LES CHEMINS DE LA MÉMOIRE de José-Luis Penfuerte
LAST NIGHT de Massy Tadjedin
POUPOUPIDOU de Gérald Hustache-Mathieu
RABBIT HOLE de John Cameron Mitchell
L’ÉTRANGÈRE de Feo Aladag
Classé dans : Festival de Cinéma de la Ville de Québec 2011 | Tags: Acadiens, Acayiens, All Cheerleaders Die, amour, Bobby Fontaine, boxe, Bryan Batt, Cajuns, Cayiens, Charlie Fontaine, Chef-Opérateur Caméra, cinéma de genre, cinematographer, clandestins, combats, Directeur de la Photographie, Etats-Unis, expédition punitive, Fantasia, FCVQ, Fight Club, frères, gangster, genou brisé, I Know Who Killed Me, Lindsay Lohan, Lucky McKee, mafia, magouilles, Marc Senter, Michael Bowen, Nathan Grubbs, Nouvelle Orléans, Pell James, prison, revue, The Lost, trahison, trailer, ultimate fighting, Versus, versusmag, violence, Zoran Popovic
Autre prêt gracieux de Fantasia au FCVQ : le dernier film de Chris Sivertson, auparavant auteur d’un vénéneux et dérangeant The Lost (d’après le roman de Jack Ketchum) de bonne facture, que nous avions chroniqué dans le n° 14, et d’un I Know Who Killed Me avec Lindsay Lohan qui eut, lui, le malheur de décrocher un Razzie du pire film de l’année 2007. Moins extrême que The Lost, Brawler n’appartient pas vraiment au genre fantastique mais rappelle à quel point le style de Sivertson peut en faire une valeur sûre du cinéma de genre sombre, torturé voire autodestructeur, sous-tendu par un réalisme qu’on ne retrouverait pas chez les chouchous poseurs d’Hollywood. Réalisé cette année (le film n’a pas encore de distributeur), Brawler flirte ainsi avec la noirceur. Celle, notamment, du milieu des combats clandestins organisés par la mafia à La Nouvelle-Orléans. Le métrage suit le parcours de deux frères pugilistes, Charlie et Bobby Fontaine, véritables légendes locales. Le plus jeune des deux, Bobby (Marc Senter, le psychopathe de The Lost, ici toujours aussi inquiétant, imprévisible), même s’il enchaîne les victoires, s’attire régulièrement des ennuis en plus de contracter des dettes auprès des criminels commanditaires de ses combats. Un jour qu’une bande d’étudiants débarque chez lui pour lui donner une leçon après qu’il les ait floués dans un deal de drogue, son frère Charlie (Nathan Grubbs) vient lui prêter main forte mais se fait briser le genou pendant la bagarre. L’aîné décide de raccrocher et de mener une vie rangée en tant qu’ouvrier du bâtiment, tandis que son frère cadet, venu emménager chez lui, accumule les bêtises et continue ses frasques. Jusqu’à commettre l’irréparable en tentant de coucher avec sa belle-sœur. Excédé, Charlie corrige Bobby et le met à la porte. Les deux frères sont désormais bien décidés à en découdre dans un combat ultime sur le bateau même où ils affrontaient auparavant leurs adversaires respectifs. Les paris sont pris, la pègre demandant même à Charlie de se débarrasser sur le ring d’un Bobby incontrôlable et devenu très mauvais pour les affaires…
Qu’il est bon de (sa)voir Sivertson revenu à ses couleurs de prédilection, du rouge certes, mais surtout du noir, du bleu nuit. L’univers décadent des combats clandestins où tous les coups sont permis se déploie dans le clair-obcur teinté d’ocre des lumières des rues, des bars (le film y a été tourné pendant les heures d’ouverture, d’où cette ambiance prise sur le vif), des sous-sols animés de La Nouvelle-Orléans. Dans ses moments de chaos pugilistique, Brawler rappelle brièvement le Fight Club de Fincher, mais l’histoire, de par son triangle affectif (Bobby, Charlie et la femme de celui-ci, Kat) rejoint les oscillations dramatiques d’un The Fighter (de David O. Russell, titré Le coup de grâce au Québec). Entre autres. Sans chercher l’originalité absolue d’un sujet souvent abordé dans le cinéma étatsunien, Sivertson se concentre sur le réalisme, la crudité d’un milieu dont la principale règle consiste, justement, à ne pas en avoir (sauf dans le respect du marché conclu avec le crime organisé qui tire les ficelles des combats clandestins). Découpés de façon sommaire mais efficace, les combats, filmés par une caméra s’imposant sur le ring comme une garde rapprochée des protagonistes, sonnent juste. Dénués de tout effet spectaculaire même dans leur rendu sonore (pas de bruitage excessif à la manière des Rocky), les coups pleuvent et font mal. D’ailleurs, Nathan Grubbs se blessa réellement lors du combat final et c’est son sang, et non du maquillage, que l’on voit couler lors de cette scène au caractère cathartique et chargé du concept, éprouvant, de fratricide. Sivertson, en observateur quelque peu cynique, ironique aussi, des ténèbres qui sommeillent en chaque être humain, instille dans le récit une tension sourde. Le personnage de Bobby, surtout, porté par l’ambiguïté du jeu de Marc Senter – entre comédie cinglante et agressivité pure – représente la face la plus sombre et la plus brutale de l’ensemble, celle par qui la tragédie arrive, celle permettant également à l’histoire de dériver vers des contrées surprenantes, jusqu’à un final à l’image du protagoniste lui-même : inattendu, inespéré quoiqu’encore prompt à relancer une seconde intrigue à problèmes pour l’aîné Charlie. Plus que pour son histoire, inspirée paraît-il de la réalité, c’est pour cette façon saisissante que Chris Sivertson a de capturer la brutalité de l’âme et du corps même – surtout – entre deux individus liés par le sang, que Brawler interpelle notre imaginaire autrement ni plus, ni moins réceptif à une énième histoire de boxeur sur la voie de la rédemption et de l’affranchissement de ses mauvaises fréquentations.
Stéphane ledien
Classé dans : VIDÉO CLUB | Tags: action, Afghanistan, arts martiaux, Bad News Brown, bagarre, bandes, bandes criminalisées, bikers, Blu-ray, Bosnie, Canada, Casques Bleus, castagne, cinéma québécois, compagnons d'armes, Constant Gagné, Dara Lowe, doormen, DVD, Etats-Unis, faits réels, flingue, fusillades, gangs, gangsta rap, Haïti, Haïtiens, Hells Angels, Histoire de Pen, Hochelaga, IB.11, Italiens, Jamaïcains, Jamaïque, Jézabel Drolet, Le Kid, lutteur, mafia, Maurice Boucher, Montréal, motards, Nomads, Pat Lemaire, Paul Dion, police, portiers, prison, Québec, Robert Pace, streets, Sylvain Beauchamp, Tank, vengeance, videurs, zone1
Artisan d’un cinéma d’action montréalais dont la virilité n’a rien à envier à celle des productions étatsuniennes, Michel Jetté réalise des films empreints d’un réalisme social et urbain très cru et très palpable. Le style brut qui en résulte peut dérouter voire susciter chez le spectateur le malaise d’une proximité dérangeante ; c’est un peu comme si un film d’action brutal et sans recul fictionnel aucun, faisait irruption dans notre quotidien. Et, de fait, c’est bien là le propos de Jetté. L’homme déploie des intrigues nourries de toute l’ultraviolence des rues de la plus grande métropole francophone d’Amérique du Nord, et fait s’entrechoquer ses particularismes criminels en véritable connaisseur des gangs. Surtout ceux des motards, qui après la mafia italo-canadienne, se sont emparés dès la fin des années 70 du marché de la drogue sous la bannière des Hells Angels — via leur chapitre québécois, les Nomads, dirigé par le célèbre Maurice Boucher. Après un Hochelaga (2000) justement consacré aux bikers et une Histoire de Pen (2002) concentrée sur l’aventure d’un jeune homme qui, pour survivre en prison, doit participer à des combats organisés par des bandes, Jetté a livré cette année avec BumRush sa nouvelle vision des gangs criminalisés qui sévissent dans le Montréal d’aujourd’hui.
Sorti en salles au Québec en avril 2011 et disponible en DVD depuis août, BumRush peut se prévaloir d’une sèche authenticité allant bien au-delà de la mention "inspirée de faits réels". À travers une formalisation brusque, percutante et débarrassée du clinquant propre aux films plus ludiques du genre (on n’est pas chez Antoine Fuqua), Jetté met en scène la montée en puissance d’un gang de rue montréalais, les I.B 11, bien décidé à prendre le contrôle d’un quartier autrefois dominé par les motards et les membres de la mafia. En s’attaquant au bar le Kingdom, lieu considéré jusqu’à présent comme neutre dans les enjeux de territoire âprement défendus par les uns et par les autres, les membres du I.B 11 vont se heurter au ras-le-bol de son gérant et de ses anciens compagnons d’armes, un petit groupe de doormen que dirige celui qu’on surnomme "Le Kid" (Emmanuel Auger, entre autres vu dans les sitcom Caméra Café version québécoise et Les Invincibles ; il y a plus couillu, je vous l’accorde). Pour ces vétérans de l’armée canadienne ayant officié en Bosnie puis en Afghanistan, c’est une guerre d’un genre nouveau qui se déclare à eux et qu’ils devront mener sans peur des conséquences et des pertes humaines. Un acte initial de vigilantisme qui va très vite se transformer en stratégie de la tension où pour mieux neutraliser l’ennemi, l’équipée des "portiers" bagarreurs / flingueurs n’hésitera pas à s’allier avec les Italiens et à manipuler la psychologie clanique, perverse, des membres rivaux au sein du gang des I.B 11.
Porté par la fluidité de son filmage (caméra suffisamment mobile lors des confrontations), une ambiance de série B aussi noire que crue (nous ne sommes pas dans l’actioner rigolard), BumRush ne cherche pas à se poser comme le Roadhouse (mais si, souvenez-vous, le film de Rowdy Herrington avec Patrick Swayze) du Québec. Tant mieux ou pas, là n’est à vrai dire pas la question. Dans ses recherches d’un réalisme grinçant, assez divertissant mais toujours inquiétant (la conclusion finale du flic demi-frère du gérant du Kingdom, résume assez bien le pessimisme général vis-à-vis du crime organisé), le film de Jetté rappelle, mais en mieux maîtrisé, les tentatives visuelles sombres et torturées d’un Baise-moi (sur un tout autre sujet, c’est certain). On pense aussi, de loin, au Rue Barbare de Béhat, sauf que les combats sont ici bien mieux chorégraphiés ; la bonne influence du cinéma US se ressent dans chaque plan, les moins ciselés (champs et contrechamps sur des acteurs pas toujours charismatiques dans l’expression des émotions) étant toujours rattrapés par un sens de la narration brutale et, bien sûr, roborative.
Dans un déferlement de violence, y compris sexuelle et psychologique, les anciens tankistes menés par Le Kid distribuent les coups autant qu’ils en reçoivent, jusqu’à un interrogatoire sanglant aux trois quarts du film, et la vengeance finale où la poudre parle peu, mais bien.
Même s’il comporte des défauts (quelques plans et cassages de gueule plutôt… casse-gueule, justement, sur le plan visuel), même s’il n’est pas dénué d’une certaine austérité par endroits (quelques répliques ampoulées, quelques regards un peu creux), BumRush opte pour ce qu’on pourrait appeler le choc de la réalité augmentée. La narration désabusée, et en off s’il vous plaît, du flic ami du quintette, l’introduction très "harboiled" de chaque personnage du groupe (un lutteur, un videur / artiste martial, etc.) et l’esthétique rock’n'roll de certaines séquences même ultra brèves (la sortie de prison du chef des bikers s’apprêtant à reprendre son territoire, la découverte par le flic d’un nouveau cadavre dans une benne des bas fonds) flirtent avec les films des gangsters de trempe plus qu’acceptable : carrément appréciable. Idem pour la façon qu’a Jetté de capturer la nuit dans ses filets cinématographiques. Des plans aériens de gratte-ciels illuminés somme toute très habituels même dans les polars de seconde zone, mais qui flattent l’œil avide de ces chromos urbains favorisant l’appropriation du genre. Dernier point, le chef des I.B 11 est interprété par le rappeur Bad News Brown, assassiné à Montréal en février dernier ; caractéristique extradiégétique si l’on peut dire, qui ne fait que renforcer le réalisme dont fait preuve Jetté dans cette peinture sans concessions — sauf celles, peut-être, qu’il effectue en toute conscience pour le plaisir spectatoriel le plus basique, pour ne pas dire reptilien.
Stéphane Ledien
> DVD disponible à la location et à la vente en zone 1 au Québec
Classé dans : TRIBUNE LIBRE | Tags: Ali Samadi Ahadi, Allemagne, animation, Ari Folman, Asghar Farhadi, audiovisuel, À propos d'Elly, étrangers, événements, Berlin, censure, chronique, cinéma, cinéma allemand, cinéma iranien, cinématographique, crime contre l'humanité, démocratie, dessin animé, devoir, documentaire, engagé, engagement, exil, exode, Guerre, Hiroshima mon amour, histoire, illégal, Iran, Iraniens, livre, magazine, manifestations, mémoire, Mir Hossein Mussawi, Munich, nation, Offside, oppression, outre-Rhin, Persepolis, peuple, porte-parole, prison, réfugiés politiques, répression, Résistance, revendications, revue, revueversus.com, Twitter, Une séparation, vague, Valse avec Bashir, Versus, versusmag, Women without Men
Tandis que des cinéastes iraniens comme Asghar Farhadi se débattent entre les griffes de la censure, les réalisateurs ayant choisi l’exode n’osent pas pour autant s’attaquer à des revendications récentes. Nombreux sont ceux qui se réfugient dans un passé lointain, presque accepté et nous font comprendre que l’exil n’ouvre pas la porte aux commentaires sur l’actualité. C’est ce que l’on peut déduire des sorties françaises avec Persepolis ou plus récemment Women without Men mais pas de celles d’outre-Rhin. Produit et réalisé en Allemagne, The Green Wave d’Ali Samadi Ahadi s’empare d’un thème qui semblait pour l’instant inabordable : les manifestations de 2009 et leurs conséquences sanglantes.
Malgré la répression et la peur, le cinéma iranien se distingue par des personnages au comportement farouche et décidé. À côté des footballeuses d’Offside et des étudiants d’À propos d’Elly, Ali Samadi Ahadi ne fait que confirmer la règle. Son film, The Green Wave, oscillant entre film de fiction et documentaire, délie la voix bâillonnée du peuple iranien pour nous montrer un des courts moments de liberté et de parole. Ali Samadi Ahadi s’empare d’un fragment d’histoire tout juste désuet pour les médias et à peine enterré pour les Iraniens. Plus qu’une œuvre cinématographique, The Green Wave effectue, sans recul mais avec franchise, un véritable travail de mémoire et de prise de conscience.
Ce film que l’équipe paie de son exil n’a pas eu besoin de déjouer la censure comme Une séparation d’Asghar Farhadi. Les documents rassemblés sur le net, publiés par les Iraniens, décrivent les faits et vont jusqu’à rapprocher le film de la vaste blogosphère nationale dans une version non censurée.
The Green Wave est un musée d’archives iraniennes – on ne peut donc pas être surpris de retrouver son peuple exilé se rendre en masse à la projection de son histoire où l’implication du public est peu commune. The Green Wave divise les spectateurs de manière inaccoutumée d’après un schéma que l’on peut retrouver chez les amants d’Hiroshima mon amour: les Iraniens ayant vécu les événements et détenant donc une mémoire directe, les Iraniens en exil possédant une mémoire indirecte de la tragédie et les "étrangers" osant à peine se mêler à un drame qui ne leur appartient pas. Les commentaires d’outsiders sur ce sujet délicat semblent néanmoins exactement ce qu’Ali Samadi Ahadi désire encourager avec son film, porte-parole d’une nation étouffée par ses incertitudes et contradictions.
Étrange, pourtant Valse avec Bashir semble être un rapprochement incontournable avec The Green Wave. Est-ce à cause des dessins aux couleurs chaudes ou surtout à cause du mélange documentaire/dessin animé ? Peut-être les deux, sans qu’aucun ne semble justifié. Tandis qu’Ari Folman montre, raconte et complète les faits avec les dessins, Ali Samadi Ahadi présente l’Iran, cette "grande prison", en se servant uniquement de matériel déjà existant, découvert sur internet. Twitter et les blogs ont fourni le texte enrichi de dessins ; Youtube et Dailymotion les images. Ce travail de réalisation ou plutôt d’assemblage commençant donc seulement à la table de montage fait clairement surgir l’influence d’internet qui détient la preuve d’un crime contre l’humanité pour un procès pour un procès à la Nuremberg qui n’aura malheureusement jamais lieu comme le souligne l’une des personnalités iraniennes interviewées au cours du semi-documentaire.
The Green Wave n’est pas un film à thème à la manière d’Illégal par exemple, bloquant la caméra sur des événements prévisibles. Les documentaires bénéficient souvent d’un atout majeur, la crédibilité. À moins que le montage soit justement le processus salvateur enrichi de la cohérence offerte par le vécu. Ali Samadi Ahadi a su magistralement trouver un équilibre dans un fait qui tanguait dangereusement vers l’intolérable, de plus en plus souvent utilisé sans pourtant être nécessaire, tout en gardant l’effet spectaculaire de l’événement.
Le "ça a été" photographique de Roland Barthes, symbole, ici, d’une vérité étrangère et inconcevable, a donc pris une importance toute particulière dans cette maîtrise et sélection de la barbarie. Une proximité non imposée s’établit rapidement entre le spectateur et ces textes que l’on croit voir écrit sous nos yeux tout comme la vague d’espoir qui déferle au long du film à travers la couleur verte de la confiance. La scène du stade, lieu de rencontre de cet espoir national qui se concentre de manière presque aveugle sur Mir Hossein Mussawi devient même avec une caméra nerveuse et agitée un des moments les plus importants du film.
L’image de The Green Wave se remplit progressivement d’un vert clair d’une telle signification pour les Iraniens qu’il nous rattrape pour nous emporter également. Les extraits de blogs, lus avec une grande justesse de ton, ainsi que le parcours des deux jeunes Iraniens fictifs rendent bien compte des valeurs et rêves d’une jeune génération qui, elle aussi, en 2009 a voulu essayer.
Mon père m’a toujours dit: nous appartenons à une nation qui depuis 150 ans part à la recherche de sa voix perdue. Et il me disait: nous n’en sommes plus très loin, il nous suffit d’un dernier effort et nous y arriverons. Sa génération a essayé de nombreuses fois, mais a toujours échoué. Puis, c’était à nous de tenter notre chance. Pendant quelques semaines, on a eu l’impression d’être aussi près du but comme encore jamais auparavant. Aujourd’hui, je regarde les murs ensanglantés et craint que cette fois-ci encore, ça n’a rien donné.
Plus que les emprisonnements arbitraires, la violence gratuite et les tweets désespérés, le vert envahissant graduellement l’écran jusqu’au point culminant puis dépérissant discrètement sans pourtant jamais s’éteindre, convainc le spectateur de la persévérance acharnée de ce peuple à qui l’on souhaite ardemment une autre opportunité.
Louise Burkart
Classé dans : DES FILMS & DÉBATS | Tags: 20th Century Fox, abus de pouvoir, Amérique, appel, arrestation, avocat, études, Betty Anne Waters, biographie, combat, condamnation, corruption, criminel, détention, drame, Droit, Eastwood, enquête, Etats-Unis, faits réels, famille, fraternité, Ghost, Hilary Swank, histoire vraie, homicide, incarcération, injustice, innocence, Jugé Coupable, justice, libération, meurtre, Minnie Driver, Oscars, pénitencier, perpétuité, pièces à conviction, police, preuves, prison, Prisonnier, procès, recours, Sam Rockwell, success story, Tony Goldwyn, tribunal, université, verdict
Exercice de dramaturgie permettant l’hyperbole émotionnelle autant que le déploiement d’une intrigue criminelle resserrée autour d’enjeux palpitants, le film de procès et "d’accusation à tort" resurgit régulièrement dans la programmation comme valeur sûre hollywoodienne du moment. Le dernier grand titre du genre fut sans aucun doute le Jugé Coupable d’Eastwood (1998), précédant pléthore d’autres succès agencés autour du thème du procès et de la cause perdue à défendre seul(e) contre tous (Erin Brockovich, en fait beau spécimen de glorification hyprocrite de la justice américaine ; une constance chez Soderbergh, cinéaste ô combien surfait et roublard).
Sorti le 16 mars dernier en France (et le 29 octobre 2010 au Canada), Conviction ne marquera pas autant les esprits que les deux références sus-citées, mais pourra s’enorgueillir d’avoir enrichi une cinématographie sachant faire vibrer toutes les cordes sensibles, à grand renforts d’humanisme et de courage narrés sans éclat mais avec honnêteté formelle. Pour ajouter au cachet dramatique, Tony Goldwyn (le méchant de Ghost, c’était lui ; le père de famille sans pitié du remake de La Dernière maison sur la gauche, aussi) choisit de raconter une histoire vraie : celle de Betty Anne Waters, une jeune mère de famille qui, après l’arrestation et la condamnation à perpétuité de son frère pour un meurtre qu’il dit ne pas avoir commis, décide d’entreprendre des études de Droit pour le défendre et, au terme d’une enquête nécessitant la réouverture du dossier et l’examen des pièces à conviction, l’innocenter. Un sujet fort et passionnant qui possède la particularité d’être incroyable, trop romancé pourrait-on dire pour être crédible. Et pourtant, la véritable Betty Anne parvint bien à faire sortir son frère Kenny de prison en 2001, après 18 années d’acharnement juridique.
Acteurs impeccables qui profitent de leur potentiel de distinction académique (quoiqu’Hilary Swank, lauréate d’un Oscar en 2005, semble en déclin de notoriété et de rôle majeur depuis Le Dahlia noir) pour apporter au film une dimension poignante, formalisation élégante mais avec le trop-plein d’affectation (voire démagogie lacrymale) qu’induit un tel sujet sauf chez les plus grands, scénario appuyant le thème de l’injustice et de la famille déchirée : sûr de ses qualités intrinsèques et de sa propension à émouvoir sans élévation cinématographique particulière, Conviction ne cherche pas à révolutionner le genre du "film de procès". C’est son droit…
Honnête conteur sans style fort et sans autre parti pris que celui d’une direction juste, parfois grandiloquente (surtout dans ces allers-retours entre présent difficile et enfance mouvementée de Betty Anne et Kenny, fausse nostalgie teintée de circonstances atténuantes), Tony Goldwyn formate son récit qui ne brille que de l’éclat que projette l’aura de son casting irréprochable. Le reste se maintient à un niveau dramatique qu’on dira soigné par respect pour les efforts de narration prodigués – c’est notable – dans le plus grand respect du spectateur. L’exigence de Goldwyn s’arrête à la logique d’un montage très linéaire où les parallèles se révèlent d’une simplicité scolaire mais efficace (progression sociale et universitaire de Betty Anne en vis-à-vis de l’avancée des moyens d’enquête, surtout avec l’avènement de l’identification par ADN en 1987), et d’une composition des cadres entièrement dévolus, dans une scène, au courage de Betty Anne, dans l’autre, à la patience où pointent le désespoir et la résignation de Kenny (Sam Rockwell porte le film sur ses épaules).
Réalisateur de quelques épisodes de séries du petit écran de bonne réputation (notamment Damages avec Glenn Close), Goldwyn s’en tient finalement au téléfilmage de luxe et compte sur les attributs rassembleurs d’une histoire forte – d’autant plus qu’elle est tirée de faits réels, ce qui ajoute à l’appétence qu’elle génère auprès du grand public – qui rappelle que l’Amérique est décidément la terre de tous les possibles, l’injustice aveugle comme la réussite envers et contre tout. Plus que sur l’intrigue criminelle à dénouer, au sein de laquelle il diffuse – c’est intéressant – un parfum de doute (Kenny est-il vraiment innocent ? Et si oui, pourquoi alors se comporte-t-il comme un coupable ?), Goldwyn se concentre sur l’image de la famille américaine. Entre ses mains, Conviction devient le récit de liens du sang que la société cherche à brimer, qu’une sœur et son frère cultivent plus que tout pour triompher de l’adversité et retrouver, aussi, leur place légitime de père (Kenny se réconcilie avec sa fille qui ne lui parlait plus depuis son incarcération) et de mère (Betty Anne peut à nouveau se consacrer à ses fils qu’elle avait délaissés par manque de temps dans sa croisade juridique). À la lueur de ce traitement affectif (avec pathos de rigueur) plus que politique, la critique d’une justice à deux vitesses (et corrompue), le réalisme des procédures pénales (conservation miraculeuse – un fait romancé ? – des échantillons relevés sur la scène du crime…) et le combat de l’association Innocence Project – qui décide de venir en aide à Betty Anne pour les tests ADN destinés à disculper Kenny – font office de toile de fond dont l’intérêt nous happe pourtant plus que le drame de la séparation filé tout au long du métrage. Avec ces protagonistes condamnés à perdre et qui font mentir au final le déterminisme social et judiciaire que l’on sait impitoyable aux États-Unis, Tony Goldwyn signe une belle histoire de plaidoyers (au sens propre et figuré) mais rate l’occasion d’un vrai réquisitoire contre le système.
Stéphane Ledien
> Film sorti en salles en France le 16 mars 2011
Classé dans : DES FILMS & DÉBATS | Tags: Arié Elmaleh, Balkans, Dirty Pretty Thinks, Eric Savin, ex-Yougoslavie, film de genre français, Frontières, horreur, Hostel, Le Locataire, pays de l'Est, Philippe Krhajac, prison, Roman Polanski, trafic d'organes, Yann Gozlan, Zoé Félix
Les plus grands défauts de la production horrifique française peuvent se résumer en trois points : 1) des scénarios qui veulent absolument ménager surprises et rebondissements jusqu’à l’absurde ; 2) des comédiens mal préparés, mal dirigés, mal lunés que le spectateur finit par détester ; 3) une tonne de références plus ou moins explicites aux influences ultra-chiadées des réalisateurs, désireux avant tout de montrer leur bonne connaissance du cinéma de genre. Le faisceau de ces raisons, et d’autres, rendent ces films le plus souvent calamiteux. Il est donc rassurant que de jeunes réalisateurs talentueux abordent ces traditionnelles faiblesses à contre-courant afin d’offrir un cinéma plus viscéral et mieux ouvert au public. Après deux courts-métrages, dont l’un primé à Gérardmer, Yann Gozlan s’est donc lancé dans l’expérience du long avec les prétentions les plus humbles : raconter une histoire simple et classique rythmée par des éléments visuels et sonores ordinaires, sans tomber jamais dans la grossièreté ou la débauche. Pas de rebondissements stupides, pas de péripéties invraisemblables ; des comédiens doués, parfaitement choisis ; et un goût assumé pour Roman Polanski et Le Locataire qui ne suinte pas de chacun de ses plans.
On l’aura compris, Captifs s’affiche donc comme une excellente surprise, un film tendu et angoissant qui fonctionne sur la simplicité et l’économie. La complexité étant souvent l’ennemi du bien, le scénario coécrit par Gozlan et Guillaume Lemans enchaîne moins les moments de bravoure qu’il ne s’interroge sur les manifestations émotionnelles de personnages confrontés à une situation particulièrement ignoble. La succession des événements est sensiblement épurée : présentation du trio principal, situation géographique et contextuelle, problématique. Les deux hommes et la femme jouent les médecins quelque part en ex-Yougoslavie, dans une zone dévastée par la guerre, matériellement éprouvée (hôpital crasseux, bâtiments en ruines, jardins jonchés de carcasses de voitures), socialement ravagé (une petite fille jouant à la balançoire se retourne pour découvrir ses deux yeux bandés, signe d’une douleur familiale aux accents oedipiens). En repartant vers la France, ils s’égarent le long d’un chemin inconnu, sont enlevés par des hommes masqués et armés, et enfermés dans des geôles malpropres. Puis c’est l’attente. Un étrange médecin les soigne et les protège. Ils sont nourris. Leur captivité n’a aucun sens. Puis l’un d’eux est pris et emmené vers un destin innommable. Ils saisissent alors la gravité de la situation. L’attente, déjà insupportable, devient dès lors intolérable, suspendue aux sonneries grinçantes d’un vieux téléphone placé ironiquement à deux pas des cellules.
Un combiné qui braille, et c’est la mort qui est annoncée ; une conversation dans une langue inconnue, et c’est un horrible engrenage qui s’enclenche. Gozlan démontre un talent notable pour ce qui est d’user des bruits ordinaires de notre quotidien dans une perspective des plus anxiogènes : ainsi cet appareil ancien, doté d’un énorme cadran rotatif, dont l’explosion sonore souligne l’horrible dénouement promis aux prisonniers. Ou les aboiements des chiens, derrière la porte qui mène à la sortie, rendus spécifiquement inquiétants par l’excellent prologue qui voit l’héroïne, petite fille, assister à l’agression mortelle de son amie par un canin enragé. Le réalisateur construit son film avec une franchise assurée, distillant ces éléments simples mais efficaces avec régularité, faisant tenir son intrigue sur un fil tendu sans avoir besoin de le lester d’inutiles péripéties. Ce qui rend Captifs d’autant plus précieux.
Gozlan prend soin, toutefois, de ne pas faire de son film un grossier pamphlet politique destiné à flatter une certaine idéologie, quelle que soit cette dernière, à l’inverse d’un Frontières dont le seul contexte de départ tendait déjà au ridicule. Captifs n’est pas dénué de point de vue sur la société – le principe même de son intrigue, entre Hostel et Dirty Pretty Things, en dit déjà assez – mais esquive heureusement toute tentation de vouloir changer le monde, privilégiant l’affect de ses protagonistes plutôt qu’un quelconque raisonnement malvenu. Ce qui fait la force de ce premier long-métrage réside ainsi dans le traitement de son espace vital : quelques pièces d’une maison de ferrailleurs, quelques centaines de mètres carrés de forêt et de champs de blé (intérieurs reconstitués en studios, extérieurs tournés en Alsace) devenant l’horizon absolu de ses personnages physiquement captifs et moralement emprisonnés. Gozlan dirige ses comédiens de façon à ce que seules leurs émotions constituent le sel de l’intrigue : le regard ébahi et la force intérieure de Zoé Felix, la colère et la frustration rentrées d’Eric Savin, la bonne humeur communicative d’Arié Elmaleh, la rude étrangeté du médecin incarné par Philippe Krhajac… Une gamme de sentiments, de réactions et d’expressions qui renforcent, mieux que n’importe quelle effusion de sang, l’indéterminé pouvoir de la peur.
Eric Nuevo
>Sortie le 6 octobre 2010
Classé dans : PROJOS À CHAUD | Tags: chantiers, Crise, Croce Bianca, documentaire, fondation jésuite, gangsters, Gênes, images d'archives, incarcération, Italie, mafia, mafieux, Mary Monaco, ouvriers, Pietro Marcello, prison, prolétariat, réintégration sociale, repenti, sans-abris, Sottoripa, témoignage, transsexuel, truands, Via Prè, Vincenzo Motta
Documentaire italien sélectionné dans de nombreux festivals européens – avec quelques prix à son actif – La Bocca del Lupo (La gueule du loup) est initialement une commande d’une fondation jésuite au réalisateur Pietro Marcello. La fondation souhaitait un documentaire sur les bas-quartiers Génois (Croce Bianca, Via Prè, Sottoripa,…) et sa population de sans-abris et marginaux en tout genre. Une population que la Fondation connaît bien et assiste quotidiennement.
Après un temps d’observation et d’acculturation relevant quasiment d’un travail d’ethnologue qui s’inscrit dans un milieu inconnu, le réalisateur rencontre le personnage d’Enzo, ancien gangster qui aura passé une grande partie de sa vie derrière les barreaux. Une gueule burinée qui n’aurait pas dépareillée dans les polars italiens des années 1970. Dès lors, Pietro Marcello sait que son film ne peut pas faire l’impasse sur cet homme qui a réussi à se reconstruire à travers l’amour (il rencontre en prison Mary, un transsexuel ; ils entameront tous les deux une histoire passionnelle qui dure encore aujourd’hui) même si sa réintégration sociale – notamment professionnelle – est plus problématique.
La Bocca del Lupo retrace donc autant l’histoire des quartiers populaires de Gênes que celle d’Enzo le truand amoureux. Une voix off (celle d’Enzo, même si ce n’est pas lui qui déclame ces paroles) évoque le déclin de ces quartiers tout en suggestion et en poésie, loin d’un argumentaire économique ou sociologique, le réalisateur ayant choisi de faire parler l’Histoire par des images d’archives du XXème siècle. Des images de chantiers côtoient alors celles de la vie passée dans ces quartiers ouvriers.
De l’apogée industrielle des zones portuaires de la ville du début du siècle à la désindustrialisation et les suppressions d’emplois qui frappera irrémédiablement le prolétariat de ces quartiers, le spectateur est pris dans un maelström d’images, sans aucun repère temporel lui précisant à quelle époque il se situe. La confusion est renforcée car même les images les plus récentes sont quelquefois vieillies par un certain grain sur l’image. Les notes de production indiquent par ailleurs que le film n’a pas été conçu selon un scénario précis, mais qu’il a réellement pris forme dans la salle de montage, à travers l’agencement de toutes ces images qui encadrent les rencontres avec Enzo.
C’est donc en entrant par la petite porte de l’intimisme que La Bocca del Lupo raconte le désenchantement du « Rêve industriel » génois et une histoire d’amour certes singulière mais qui fait ressortir l’universalité de ce sentiment. Un métrage reposant quasi-uniquement sur les sensations éprouvées à la vision de ces images, qui peut parfois paraître hermétique au spectateur. Une belle expérience sensorielle et humaine, à l’immersion quelquefois difficile, mais qui au final vaut largement d’être vécue.
Fabien Le Duigou
> Sortie en salles le 23 juin 2010
